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Entretiens et colonnes
Crise n ° 1
par KC Carlson
Auparavant sur l’histoire sans fin: (partie 1) (partie 2) (partie 3) (partie 4) Les années 1980 étaient une période particulièrement fertile pour la créativité dans les bandes dessinées de super-héros. Beaucoup d’aspects extérieurs – changements dans la distribution, de nouveaux formats, des créateurs qui veulent de nouveaux points de vente pour exprimer leur créativité menant à de nouveaux éditeurs de bandes dessinées, et un sentiment primordial que les bandes dessinées en tant que médium se sont développées à pas quantum – provoquent cela. 1986 a été une année particulièrement bonne pour les bandes dessinées, notamment Watchmen, Batman: The Dark Knight Returns, Maus et beaucoup d’autres projets mémorables. C’était comme un nouvel âge d’or – mais il y avait des ténèbres.
Il est difficile de passer en détail l’ère dite moderne (également parfois appelée l’âge de fer ou de cuivre, conformément aux époques métalliques auparavant bien établies de l’or, de l’argent et du bronze) du milieu des années 80, car il n’y a pas d’événement singulier convenu pour marquer son début. En revanche, le Revival Flash Barry Allen en 1956 définit normalement le début de l’ère de l’argent. Généralement, cette période est considérée comme commençant vers 1985-1986, englobant à la fois Secret Wars de Marvel (premier grand événement de Superhero Comics) et la crise de DC sur les terres sans limites (premier événement de super-héros montrant une transition / évolution claire d’une chose à la suivante). Certains des éléments cruciaux de cette ère de bandes dessinées incluent la montée des bandes dessinées publiées indépendamment, les créateurs de bandes dessinées s’impliquant beaucoup plus dans l’amélioration de l’industrie (tout en étant beaucoup plus connu à la fois pour leur travail et en tant que personnalités) , et beaucoup de personnages – nouveaux et bien établis – qui sont beaucoup plus complexes psychologiquement et émotionnels.
C’est aussi la première ère de la bande dessinée où les histoires des personnages, les histoires des créateurs et la myriade de services de service en coulisses et d’industrie de la bande dessinée sont tous combinés dans l’esprit du fan de bandes dessinées de tous les jours. Cela est dû à une presse de fans vigoureuse et exacerbée par le développement rapide de la technologie au-delà de certains éditeurs de contrôler – ou de supprimer – l’informatique. Alors que les personnages eux-mêmes devenaient plus sombres et que les rumeurs de l’industrie, les poursuites, les querelles de designer et les backstabbings sont devenus des points de discussion de quotidien, l’époque est également devenue familière sous un autre nom – l’âge sombre.
Brewing de l’obscurité…
Vigilante # 1
Beaucoup d’éléments les plus sombres ont commencé à apparaître dans certaines des bandes dessinées les plus appréciées (et les plus vendues) de l’époque: Uncanny X-Men, Daredevil, Batman: The Dark Knight Returns et Watchmen. Même le papier peint de super-héros de la crise sur les terres illimités ne pouvait pas masquer le fait que des centaines de personnages sont morts, surmontés de deux favoris des fans: The Flash et Supergirl, tous deux bien passés à leur apogée en tant que personnages de niveau supérieur et en pataugeant dans des scénarios sinueux.
Au début, l’obscurité croissante a été principalement attribuée à un nouveau «réalisme» dans les bandes dessinées et acclamé comme quelque chose qui a longtemps été nécessaire pour l’évolution continue des bandes dessinées en tant qu’art. Beaucoup des premières histoires explorant ces thèmes sont encore aujourd’hui considérées comme des classiques dans le domaine. Mais alors que les talents créatifs moindres ont commencé à utiliser les mêmes thèmes dans leurs histoires – à beaucoup moins d’effet – le «réalisme» a commencé à ressembler à une autre tendance de la bande dessinée, quelque chose à copier et à imiter parce qu’il était à la mode, mais surtout parce qu’il ressemblait à Il se vendrait comme des gangbusters. Peu de créateurs pouvaient gérer les thèmes des adultes ainsi qu’Alan Moore, et sans ce contenu sous-jacent, le résultat est apparu comme de la violence pour elle-même, «sombre et granuleux» comme une tendance au lieu de quelque chose de grave à dire.
Pour être juste, les mêmes choses se passaient également ailleurs dans la culture populaire. Des films plus grincheux se sont éloignés de leur statut «culte» dans des blockbusters populaires de bonne foi. La télévision (un autre médium, un peu comme les bandes dessinées, qui a principalement pris ses devants de ce qui se passait ailleurs) a rapidement emboîté le pas également.
Dans les bandes dessinées de super-héros, ce qui a dû être la floraison d’une source d’idées créatives – les bandes dessinées embrassant d’autres cultures, des éléments de l’histoire ancienne et des histoires de génération de genre impliquant des éléments surnaturels, d’horreur et de criminalité graveleux, sont principalement devenus la norme. L’anti-héros était le roi et les couleurs primaires de la bande dessinée sont devenues noires, gris et rouges.
C’était une chose pour les bandes dessinées d’ajouter des personnages comme le Punisher, puis beaucoup plus tard le justicier, et Deathstroke the Terminator, car des personnages brutaux comme celui-ci étaient une excroissance naturelle des temps changeants. Au début, beaucoup de ces personnages ont été décrits comme des méchants standard, mais au fur et à mesure que les temps ont changé, tout comme ils fonctionnaient. Ils sont allés après de mauvaises personnes qui étaient plus mauvaises qu’elles ne l’étaient, donc cela les justifiait en utilisant une force brutale et des armes mortelles pour tuer leurs ennemis.
Un fan qui n’a pas pris plaisir à ce type d’histoires, qui ne se souciait pas de voir qui pourrait être beaucoup plus brutal queLe gars suivant pourrait les négliger. Ils étaient toujours un peu sur le côté du courant dominant. Mais alors «sombre et granuleux» a commencé à affecter les héros standard – et finalement changer la façon dont ils fonctionnaient. Par exemple, Batman a été assombri, ce qui a du sens pour lui en tant que type «Dark Avenger». Mais certains créateurs ont pris cela trop loin, perdant le sens de ses motivations fondamentales pour faire ce qu’il a fait. Certains personnages doivent encore exister pour être intrinsèquement et inébranlables et héroïques – tout comme il y avait maintenant des personnages qui étaient intrinsèquement sombres et tordus et amoraux.
De nombreux fans ont tracé la ligne pour que chaque personnage plus ancien ait une sorte de traumatisme caché ou quelque chose qui les a pliés dans un bretzel psychologique. Par exemple, Superman était l’ombre de ce qu’il devait être, généralement traumatisé par le doute (ou les coupes de cheveux terribles). Une grande partie des X-Men n’étaient pas reconnaissables par les héros que les fans de longue date ont grandi avec. Tout comme des dizaines de plus.
De plus, il était exceptionnellement idiot pour tout le monde de commencer à porter des vestes en cuir pour les faire paraître durement dans les années 90. Maintenant, ça m’a fait rire! Nous venons de recevoir un flash-back sur cette époque avec la refonte de Jim Lee du costume de Wonder Woman, un look qui aurait facilement pu être abandonné dans les pages de n’importe quelle bande dessinée à l’époque.
Même le service des bandes dessinées devient sombre
Grim and GRATICE était partout, pas seulement dans les pages des bandes dessinées elles-mêmes. Dans notre monde, les bandes dessinées ont connu une substanie publique substantielle à la fin des années 80, principalement en raison de l’évolution révolutionnaire des bandes dessinées elles-mêmes. Ils ont commencé à être pris au sérieux en tant qu’artisanat, discuté fréquemment dans les magazines et les journaux, ainsi que des chercheurs s’impliquaient, suggérant que derrière les signes extérieurs juvéniles et les origines de la bande dessinée et de leurs personnages, il était maintenant temps de commencer à les prendre au sérieux.
Hollywood les prenait certainement au sérieux. Mais malgré quelques premiers succès (les deux premiers films Superman), il a fallu beaucoup de temps pour amener le film de bande dessinée là où ce serait un succès non seulement pour les fans de bandes dessinées, mais aussi avec le grand public. (Attendre que la technologie appropriée progresse pour capturer l’action super-alimentée sur le film était une pierre d’achoppement évidente). Il y avait donc beaucoup d’argent en attente dans les ailes.
Howard the Duck # 1 a été l’une des premières bandes dessinées touchées par les spéculateurs.
Non pas que les bandes dessinées manquaient exactement pour de l’argent dans les années 80 et au début des années 90. L’évolution comique a certainement généré un tas d’éloges des médias artistiques, mais il a également engendré un radeau de prisonnier de guerre! Zap! Les bandes dessinées valent de gros dollars! couverture. Les journaux et les magazines ont rapporté que les vieilles bandes dessinées – en particulier les premiers numéros et les origines des personnages populaires – allaient pour des milliers et des milliers de dollars! Et approche des millions! C’était la naissance du spéculateur de bande dessinée moderne, obtenir des bandes dessinées pour leur valeur monétaire (qui devait augmenter, non?) Au lieu de leur contenu.
X-Men # 1 comportait quatre couvertures connectées pour former une seule image.
Bien sûr, The Big Bucks Angle n’était que le titre et l’avance de l’histoire. Vous deviez lire plus profondément pour découvrir que seules certaines bandes dessinées valaient de l’argent fou – et normalement uniquement à cause de leur âge, de leur rareté et de leur condition. Mais beaucoup de gens ont juste vu les signes du dollar et n’ont pas pris la peine de lire. Ainsi, alors que les éditeurs étaient ravis d’avoir l’afflux substantiel de ventes au cours de cette période, il était très difficile pour eux d’obtenir une comptabilité judicieuse de savoir si ces ventes étaient des lecteurs neufs attirés par les histoires et les créateurs, ou quels pourcentages de ventes expliquées Pour les spéculateurs (ou les détaillants), l’obtention de plusieurs quantités de boîtier (soit 200 ou 300 exemplaires, selon le nombre de pages et l’épaisseur d’un livre). Je soupçonne que même aujourd’hui, un bon pourcentage de marchands de cette époque a encore des cas invendus de X-Men # 1 de Jim Lee dans leurs coulisses ou entrepôts. (J’en connais personnellement plusieurs.) Qui sait comment les «thésauriseurs» de la bande dessinée individuels peuvent toujours être assis sur le leur, attendant le jour où leur cheval à quatre couleurs entre enfin.
Améliorations? Quelles améliorations?
Eclipso a présenté un “gemme” sur la couverture.
En fin de compte, beaucoup d’éditeurs ne se souciaient pas vraiment de qui recevait leurs bandes dessinées, tant qu’ils n’arrêtaient pas de vendre. Beaucoup d’entre eux ont considérablement encouragé les spéculations en annulant fréquemment des séries de bandes dessinées de longue durée juste afin qu’ils puissent les recommencer avec de nouveaux problèmes n ° 1 à gros vend. Ou ajouter des «améliorations» spéciales («appât de spéculateur» selon au moins un cadre de la bande dessinée de la journée). Ces améliorations comprenaient de multiples couvertures «variantes» dessinées par différents artistes, des encres fluorescentes ou «scintillantes» spéciales, des couvercles de gatefold pliants, du papier d’aluminium ou des couvercles «holo-graphiques», des livres polybagués (généralement avec des extras), des hologrammes, de la décolleté ou Couvoirs en relief et même les couvercles uniquement avec des autocollants en plastique de type «Colorforms» ou des bijoux en plastique (ce qui a endommagé un grand pourcentage de la presse écrite des bandes dessinées).
[Mis à part: à l’époque, en marchant dans le couloir de DC Comics, un directeur du marketing m’a attiré dans son bureau,Essayer de trouver de nouvelles idées pour les améliorations de la couverture, car elles s’épuiraient. J’ai suggéré sarcastiquement qu’ils pourraient essayer une couverture basée sur l’ancien jouet «écran magique», où vous dessinez une image sur un morceau de plastique, puis lorsque vous soulevez le plastique, votre image disparaît. Les fans ne pourraient pas résister à tirer la couverture (et à effacer l’art), j’ai suggéré, afin qu’ils devraient sortir et obtenir une autre copie s’ils voulaient la couverture. Merde s’il n’y a pas pensé pendant quelques secondes…]
Au milieu des années 90, beaucoup de spéculateurs ont finalement fait saillie, ont réalisé qu’il n’y avait pas beaucoup de retour sur investissement et a renfloué l’industrie de la bande dessinée. Avec beaucoup de gens qui obtiennent les mêmes «éditions de collection» en quantités substantielles, il n’y aura jamais de pénurie pour créer la valeur de la valeur qu’ils recherchaient. Ils ont laissé des millions de bandes dessinées inventées dans des magasins de bandes dessinées (ce qui a conduit à la fermeture de milliers de magasins de bandes dessinées et de cartes) et a forcé les éditeurs de bandes dessinées à minimiser considérablement leurs opérations (ou à faire faillite). À cette époque, Marvel publiait plus de 200 bandes dessinées par mois – dont beaucoup ont disparu pratiquement du jour au lendemain – et la société a fini par déclarer la faillite. Même aujourd’hui, de nombreux fans de bandes dessinées ne réalisent pas pleinement à quel point l’entreprise se rapproche complètement de la disparition, principalement en raison de beaucoup de services de service en coulisses et de bourses.
De nombreux autres éditeurs ont disparu ou ont considérablement réduit. La perte de beaucoup d’éditeurs de bandes dessinées (et de bandes dessinées) a commencé un effet Domino dans le système de distribution de bandes dessinées du marché direct. Lorsque la poussière s’est finalement installée, seuls les distributeurs de bandes dessinées Diamond ont survécu, en raison de nombreux accords de distribution exclusifs avec des éditeurs cruciaux. Tout cela a considérablement affecté le service de bandes dessinées à l’époque, et de nombreux observateurs de l’industrie rapportent que l’industrie n’a pas encore complètement récupéré – et s’est peut-être installée dans un nouveau statu quo, quoique provisoire.
Mais avant que toute cette méchanceté de l’industrie ne se produise, d’autres aspects ont fait des années 1990 une décennie très intéressante à regarder.
Image des années 90
Dragon sauvage
Tout le monde connaît maintenant l’histoire. Plusieurs artistes travaillant pour Marvel ont eu de façon inattendue et ont commencé à se sentir comme s’il y avait quelque chose au-delà de travailler pour la maison que Stan et Jack ont construit, surtout après avoir apprécié ce qui est arrivé à Jack. Des gens comme Todd McFarlane, Jim Lee, Rob Liefeld et leurs amis déménageaient des millions de livres Marvel chaque mois en fonction de leurs talents – et pour seulement le tarif de page et les redevances. Qui ne voudrait pas un plus grand morceau de cela? Donc, ils sont partis et ont créé Image Comics, une entreprise Indy où ils étaient les patrons – et les créateurs possédaient ce qu’ils ont créé. (Cela ne s’appliquait qu’aux fondateurs, étant donné qu’ils ont rapidement mis en place les mêmes types de contrats de travail pour la location dans lesquels ils avaient précédemment frotté.) Ils ont créé des bandes dessinées comme Spawn, Wildc.A.T.S., Youngblood et Savage Dragon (le seul Un toujours exécuté par son créateur d’origine, son nom de nom, euh… Erik Larsen) et pendant un certain temps, ils étaient les nouveaux rois de la bande dessinée.
L’image a vendu une tonne de bandes dessinées – beaucoup d’entre elles multiples aux spéculateurs – et probablement pas aussi beaucoup de bandes dessinées qu’ils vendaient pour Marvel, mais étant donné qu’ils obtenaient maintenant un plus grand pourcentage du profit, cela n’avait vraiment pas d’importance beaucoup pour eux. Soudain, il y avait de nouveaux jeunes fans tout aussi enragés pour les nouveaux livres d’images que les soi-disant «Zombies Marvel» étaient une génération de fans auparavant.
Et voici où quelque chose d’intéressant s’est produit. Beaucoup de livres d’images étaient écrits et dessinés par des artistes, dont beaucoup n’avaient pas beaucoup d’expérience antérieure dans l’écriture de bandes dessinées. Il était assez évident en les vérifiant que beaucoup de bandes dessinées d’images favorisaient l’art par rapport à l’écriture. Bien qu’il n’y ait certainement rien de mal à ce genre d’approche, beaucoup de gens qui ont lu des bandes dessinées pendant longtemps, y compris des gens comme moi qui les regardent de manière culturelle / sociale / artistique, quasi-scholaire, vous dira qu’un beaucoup d’histoires de bandes dessinées formidables